Искусство — это способ авторского выражения мироощущений, впечатлений, эмоций и чувств, идей и взглядов относительно тех или иных явлений и событий посредством творческого воплощения средствами и техникой, присущими определенному виду искусства.
При создании творческого произведения в любой сфере человеческой деятельности используются средства, инструменты и материалы, свойственные данному виду искусства. Музыкант выражает себя с помощью нот и музыкального инструмента, скульптор с помощью резца, художник — кистью, писатель — словами.
О каждом виде искусства можно говорить и говорить, равно, как и о средствах сделать отдельное творческое произведение неповторимым. В изобразительном искусстве применяются разнообразные средства: кисти, холсты, грунтовки, краски, лаки и другие материалы, которые называют емким английским словом «media».
Мастерство в искусстве
Важнейший оценочный критерий художественного произведения — мастерство исполнения. Любой конкурс искусств определяет победителя, прежде всего, по виртуозности и мастерству исполнения произведения. Мастерство — это высокий уровень владения техникой, свойственной именно этому виду искусства.
Мастерство в изобразительном искусстве — это есть умение написать человека, животное или пейзаж на плоской поверхности, умение передать сущность действительности. Например, Леонардо да Винчи посвятил изображению лошади множество эскизов, пытаясь передать ее грацию и добиться такого сходства, чтобы сила лошади «чувствовалась», а Рубенс для изображения лошадиных крупов даже нанимал специального мастера.
Мастерство живописи включает в себя глубокое знание теории цветов, законов композиции, которые, к примеру, требуют иметь понятие о золотом сечении, владеть законами перспективы. Необходимо иметь навыки смешивания красок, притом не только механически, но и оптически, знать технологию производства грунтовки, растворителей, пигментов, лаков и иных материалов, широко используемых в изобразительном искусстве.
Классическая школа живописи требует и знаний анатомии, как необходимого уровня знаний скульптора или художника. Во времена эпохи Возрождения церковь не поощряла занятий анатомией, хотя и разрешала художникам присутствовать при казнях и последующих вскрытиях тел казненных. Широко известно, что Леонардо да Винчи часто тайно посещал анатомический театр, интересуясь анатомией как наукой, а Микеланджело сам проводил вскрытия трупов, чтобы подробно узнать, как устроена мускулатура человека. Поскольку Микеланджело подробно изучил мужскую мускулатуру, женщины на его полотнах имели мужеподобный облик.
Критерии оценки произведения искусствоведами
Критика до XX века
Искусствоведческая критика до XX века оценивала, прежде всего, мастерство художника. Энгра, например, упрекали в недостатке мастерства, за анатомическую неточность в изображении его знаменитой «Большой одалиски» (за слишком длинную спину).
Искусствоведы особо оценивали тему работы, выбор известного библейского сказания или мифа, его интерпретацию автором, передачу духа времени, исторической правдивости, атмосферы, настроение и характер образов. Искусствоведов интересовали не только тема и интерпретация, но и натурщики, хотя художник и не всегда нуждается в моделях, а только с целью передать сходство с определенным человеком. Например, Рафаэль признавался, что никогда не встречал женщину, которая могла бы послужить ему моделью для образов мадонн. Мадонны Рафаэля являлись его собственным видением их сущности, плоды воображения художника, поскольку художник — творец и создатель индивидуальных мироощущений.
Критика XX века
XX столетие ознаменовалось развитием фотографии, поэтому получило распространение мнение, что фотография уничтожит реализм в изобразительном искусстве, равно как и надобность в технических навыках, накопленных веками с времен эпохи Раннего Возрождения. Зачет Марселю Дюшампу навыки, чтобы объявить шедевром писсуар, названный «Фонтаном»?
Разве фотография может сравниться с полотнами художников? Как фотография может повлиять на классику? Это все равно, что сравнивать несравнимые вещи. Живопись — это искусство, и фотография — это искусство, но другое.
Не фотография уничтожила реализм в живописи, а неореализм французской школы просто исчерпал свои ресурсы, достигнув вершин в мастерстве. Искусство вошло в новую стадию поиска других способов самовыражения реализма. Реализм — не догма, а только способ для автора обнажить индивидуальное восприятие действительности.
Последние десятилетия прослеживается тенденция возврата к академической живописи и реализму. Ведущие галереи мира демонстрируют произведения, выполненные как в стиле гиперреализма, так и фотонатурализма.
Вывод один: мастерство — это одно из основных слагаемых того, что называется искусством.
Творчество как язык искусства
Язык искусства — это особые приемы, используемые автором в процессе создания своего произведения. Собственный язык используется в музыке, опере, балете, литературе, поэзии. Эти языки изучены и систематизированы, преподаются в школах искусств различного направления. Языки поэзии и литературы изучаются в школе, а не только в Литературных Академиях. Уже в школе знание основных специальных терминов (ямб, ритм, аллегория и т.п.) помогает проводить анализ литературных произведений и понимать идеи автора более досконально и глубоко.
Изобразительное искусство лишено общих для всех направлений языков. Искусствоведы больше заняты критикой стилей и толкованиями идей и приемов. Например, современные произведения живописи дают критикам шансы блеснуть тщательно отшлифованными фразами и словесными аллегориями, чтобы привлечь внимание к собственному мастерству изложения авторских идей.
Критики привлекают внимание зрителей к произведениям искусств и помогают им яснее осознать идеи и особенности композиции произведения. Чем более абстрактна скульптура или полотно, тем свободней интерпретация смотрящего критика. Таким образом, различные обозрения придают интеллектуальность работам и усиливают впечатления зрителей, используя изощренные слова латинского происхождения.
Метафора как традиционный способ самовыражения в искусстве
Каждый толковый словарь дает свое собственное толкование метафоры. Метафора — это придание предметам или событиям несвойственным им качеств.
Очень распространена метафора в поэзии. Благодаря использованию метафор, автор рождает поэтические образы, являющиеся основой поэтических произведений.
Живопись импрессионистов основана на метафорах представителей этого направления в живописи, таких как Гоген, Моне, Сера. Импрессионисты представляли действительность метафорически, через линзу авторского, субъективного восприятия. Поэтому каждому представителю этого направления изобразительного искусства присуща узнаваемая техника самовыражения.
Художники метафорически меняют цвет, изображают несуществующие формы и придают несвойственные функции предметам и объектам. Характерными примерами использования метафор могут служить полотна Дали, Шагала или Кадишмана. К примеру, Кадишман изображал своих овец с окрасом во все цвета радуги, что, конечно, «не имеет места быть».
Стилизация – способ подчеркивания стиля
Стилизация — это художественный прием, определяющий стиль. В течение многих веков приемы стилизации используют для обработки объектов с целью изменения и искажения определенных качеств и свойств предметов, или с целью смещения акцентов.
Популярные стили разных эпох (от искусства Древнего Египта до наива и кубизма) разнятся только способом «искажения» известных всем форм. Например, египтяне использовали характерный способ изображения людей в профиль, также как и византийцы вытягивали лики святых, поэтому их невозможно не узнать, даже бегло взглянув.
В XX веке художники использовали стилизацию очень широко. Например, стилизация прослеживается в работах Модильяни, Шагала, Джакометти, Пикассо, Матисса и прочих известных и малоизвестных художников. Именно новизна и оригинальность стилизации поднимает скульптора или живописца на вершину мастерства и признания.
Мастера графики, архитекторы, дизайнеры и другие представители прикладного искусства также широко используют приемы стилизации, что вносит исключительное разнообразие в их авторские работы.
Абстракция – изображение без деталей
Согласно определению большинства толковых словарей, абстракция — это нечто, лишенное конкретики, отказ от внешних форм с целью раскрытия внутреннего содержания явлений и объектов. В изобразительном искусстве посредством абстракции художники передают суть собственного видения сцен и пейзажей, без передачи деталей изображаемых объектов.
Любой художник, писавший природу с натуры, знает, что отобразить на холсте или бумаге каждый листочек, веточку или волну, след на песке – невозможно. Инструменты, специальные средства (к примеру, кисть-веер) и эффекты помогают художнику отобразить собственные впечатления от увиденного, что и есть абстракция. Абстракционизм — это стиль, а абстракция — это способ передачи действительности.
На полотне Моне «Пруд с кувшинками» ни одна кувшинка не выписана в деталях — одни мазки, штрихи и пятна. Без такой абстракции не может обойтись ни один художник, какому бы стилю он не отдавал предпочтение (кроме гиперреализма или фотонатурализма).
Мы перечислили основные приемы в изобразительном искусстве. Все эти приемы отлично воспринимаются зрителями, но вот законы композиции, к примеру, понимает только специалист. Но понятие об основных приемах в живописи помогает увидеть произведения изобразительного искусства другими глазами, вооруженными новыми знаниями.
Конечно, художники используют и другие методы и приемы, которые только изучаются и будут систематизироваться. К сожалению, до настоящего момента серьезно никто в искусствоведении этим не озаботился.
Сила новаторства
XX столетие внесло коррективы в оценку любого произведения искусства. В изобразительном искусстве новым критерием стало новаторство. Модернизм сделал серьезный шаг к интеллектуализации скульптуры и живописи и придал особенную ценность новаторству идей художников. Художник, нашедший свой уникальный, присущий только ему стиль, и сумевший утвердить этот стиль как модное течение, навсегда занял особое место в истории искусства. Пикассо положил начало кубизму, Кандинский — абстракционизму, Дали — сюрреализму, Энди Уорхол — поп-арту, а Малевич — супрематизму.
Способность стать родоначальником модной (читайте «новой») тенденции в скульптуре или живописи дает возможность создателю нового направления познать славу, признание и богатство, поскольку придает его работам особую ценность.
Существует огромная разница между развлечением и искусством, которую определяет идея созданного творения. Многие формы произведений имитируют искусство, но преследуются цели, несвойственные искусству. Например, развлечение для публики, начиная с циркового представления и заканчивая грандиозными шоу для тысяч зрителей. Грань между искусством и развлечением можно только почувствовать, поскольку она тонка и неуловима.
Истинное искусство демонстрирует глубину чувств, интеллект и ранимость творца. Истинному искусству присуща высокая мораль и чистота. Истинное искусство гуманизирует и просветляет общество, формирует демократические принципы, поэтому является двигателем социального прогресса.
Искусство – это суть цивилизации.